别让多余动作，掩盖你的音乐

发布时间：2026-04-24 11:04:05  浏览量：1

梅纽因与奥伊斯特拉赫

文 | 俞倩如

在演奏中，任何既无助于技术完成，也无助于音乐表达的动作，我们统称为“多余动作”。在教学中，经验丰富且具备良好审美的老师往往会要求学生“去掉多余动作”。演奏动作越简洁高效，演奏效率就越高，对演奏者也就越有益。那么，在日常练习中，我们该如何觉察并剔除这些华而不实的多余动作呢？

首先，要寻找优质的录像进行模仿。

许多孩子的演奏动作并非源于对音乐本身的理解，而是在模仿或教学中形成的，往往显得不够自然，从而沦为“多余动作”。有些演奏者因对音乐敏感且肢体协调，会自发地做出符合音乐律动的舞台动作。但如果我们一味模仿表象，误以为学会动作就掌握了精髓，那便偏离了方向。

如今，我们很容易就能找到世界顶级大师的现场演奏视频。建议大家可以先从早期老派演奏大师的录像看起。现代舞台和摄像技术有时会让演奏家不得不刻意凸显个人特质，在表达中用力过猛，失去对音乐本真的追求。而这一点在早期录像中则较为少见。观看奥伊斯特拉赫、梅纽因、科冈等老派大师的现场录像，可以看到他们只是在纯粹地演奏音乐，并未过多彰显“自我”。如果学生从一开始就能理解“音乐”与“自我”的关系，找到恰当的平衡点，就会避免因用力过猛而做出音乐不需要的舞台小动作。

其次，模仿时要先分析动作与音乐的匹配度。

有些孩子因崇拜某位大师，便会模仿其所有舞台行为，包括面部表情和肢体动作。但由于观察片面，误以为大师的所有演奏都呈现同一种模式。那么无论演奏何种作品，都眉头紧锁、一脸深沉，显然是不合适的。因此，即便是模仿，也需审视所表达的音乐与所展现的情感是否匹配，否则就会沦为“脸谱化”模仿。我常建议学生关注优秀演员的演技，思考他们为何不给人“脸谱化”“符号化”的感受，却能让角色极具说服力，以及如何通过细节让角色“立得住”。这也是我们可以向演员学习之处。毕竟，我们的工作都是诠释艺术作品，都希望自己的呈现能引发观众共鸣。

再次，要多观察自己的演奏状态和面部表情。

如今录音录像十分便捷，我们可以记录下平时私下演奏和舞台演奏的状态，回看时纠正并剔除不合理之处。优秀演员正是在一次次回看监视器的过程中成长的——因为自己以为的表达，与他人眼中所见往往天差地别。特别需要提醒的是，平时练习也要这样做。舞台表演是日常练琴的积累，一些台上的小毛病、小动作，大多在平日就已形成，只是我们平时未曾留意。

通过持续观察、研究自身与他人的演奏状态，我们能更清晰地认识自己的身体条件、肢体表达习惯与情感传递方式。一味模仿他人的演奏形态，往往只能带来短暂启发与表层借鉴。真正的音乐表达，终究要回归内心，用属于自己的方式真诚诠释。只要真实、发自内心，每一种表达方式都值得被尊重。